Spirituality and Posthumanism in Tool

Vendredi 24 février 2023

9h00 - 11h45

Le groupe de métal progressif Tool est connu pour son expérimentation musicale, ses thèmes littéraires et philosophiques, son intégration étroite de la musique et de l’art visuel, ainsi que ses messages d’auto-illumination et de transcendance. Le nom du groupe est polyvalent, évoquant le terme en slang signifiant l’organe sexuel masculin, mais aussi une technologie fonctionnelle, et les membres du groupe ont encouragé le public à utiliser leur travail comme un outil de croissance personnelle. Les cinq albums studio de Tool, sortis entre 1993 et 2019, se caractérisent par un passage d’une critique socioculturelle chargée d’angoisse à une spiritualité autoréflexive qui intègre des éléments de diverses traditions. Notre article explore les aspects spirituels et posthumains de la musique, des paroles et de l’art visuel de Tool, en se concentrant principalement sur les trois albums les plus récents, Lateralus (2001), 10,000 Days (2006) et Fear Inoculum (2019), ainsi que sur les performances live associées archivées sur YouTube. 

La spiritualité est exprimée de manière plus importante dans les paroles de Tool, soutenue par des images de la pochette de l’album et les vidéoclips. Nous discuterons du continuum de l’humanité et de la divinité suggéré dans les paroles de plusieurs morceaux sur Lateralus, ainsi que des représentations de la transcendance qui concluent les vidéos de « Lateralus » et « Parabola ». Nous examinerons également la variété des traditions religieuses invoquées à travers les titres et les paroles des chansons, y compris le bouddhisme (« Third Eye », « Mantra ») et le Bene Gesserit fictif de l’univers de Dune de Frank Herbert (« Litanie contre la peur »), ainsi que les critiques acerbes du christianisme (« Opiate », « 10,000 Days ») et de la Scientologie (« Aenima », « Eulogy »). Les éléments posthumains sont les plus évidents dans l’utilisation variée par Tool d’un large éventail de timbres électroniques. Alors que la configuration du groupe – chanteur, guitariste, bassiste et batteur – est conventionnelle pour les genres liés au rock de la fin du XXe siècle, les timbres vocaux et instrumentaux ne le sont pas. Ceux-ci sont généralement fortement médiatisés par la technologie, obscurcissant parfois complètement la source sonore. Les voix sans intermédiaire sont marquées. Le groupe incorporent fréquemment des éléments de musique concrète, à la fois comme des échantillons sonores de type machine et des sons naturels transformés. Une attitude posthumaniste se manifeste dans les nombreuses paroles de Tool, qui considèrent ce que signifie être « humain », et dans leur art visuel qui évite les images des membres du groupe dans la mise en scène de concert, les pochettes d’album et les vidéos, favorisant des images de machines, de non-humains et de transhumains.

Jerry Cain

Jerry Cain est chargé de cours à la Faculté de recherche en musique de l’Université McGill, où il enseigne l’histoire de la musique depuis 2010. Il est titulaire d’un baccalauréat et d’une maîtrise en éducation musicale de l’Appalachian State University, ainsi que d’une maîtrise et d’un doctorat en musicologie historique de la Florida State University. Ses principaux intérêts de recherche sont centrés sur la musique d’Anton Webern et ses croquis, son processus de composition et sa bibliothèque de livres et de musique. Sa recherche de thèse sur les arrangements inédits de poèmes de Webern par le poète, auteur et critique social viennois controversé Karl Kraus a abouti à des articles scientifiques, un catalogue inédit des livres et de la musique existants de Webern et une édition performative de Two Kraus Songs du compositeur (Universal Edition, Vienne, 2016). Au cours des dernières années, ses intérêts se sont fortement tournés vers la pédagogie de l’histoire de la musique, en particulier l’étude de la propagande et de l’historiographie musicale, ainsi que la pratique et l’étude du rock progressif avec sa femme et collaboratrice Nicole Biamonte. Il a récemment reçu le prix de l’enseignant exceptionnel de l’École de musique Schulich et sa candidature a été nominée pour le Prix d’excellence en enseignement du directeur.

Nicole Biamonte

Nicole Biamonte est professeure agrégée de théorie musicale à l’Université McGill. Ses principaux domaines de recherche sont la théorie et l’analyse de la musique populaire, en se concentrant sur les structures de hauteur, le mètre et le rythme, la forme et, plus récemment, le timbre. Elle a également publié sur la pédagogie de la théorie musicale, la théorie musicale publique et l’historicisme musical du XIXe siècle. En plus de l’ouvrage collectif Pop-Culture Pedagogy in the Music Classroom dont elle est l’éditrice, ses recherches sont publiées dans les revues Music Theory Spectrum, Music Theory Online, Zeitschrift der Gesellschaft für Musiktheorie, Intégral et Beethoven Forum, ainsi que dans de nombreux ouvrages collectifs.